SACO1.1

Guillermo Anselmo Vezzosi
(Argentina)

Artista Visual y Arquitecto. Desde 2013 vive en Cerrito, Entre Ríos. Su formación artística se dio de la mano del maestro Luis Felipe Noé. Ha sido seleccionado para Artistas Emergentes Argentinos y el Programa Cultura Argentina al Mundo ambos del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto. Su obra ha sido publicada por la NASA, Umbigo Magazine (Portugal), Corix Art (Italia), Saatchi Gallery (Inglaterra) y La ANBA (Argentina). Su obra ha sido expuesta en Argentina, Paraguay, Alemania, Chile, Italia, Palestina y EE.UU. Ha sido afiliado al JPL/NASA donde se encuentra trabajando en proyectos de arte+ciencia.

João
Paulo Racy
(Brasil)

Artista-investigador, estudiante de doctorado y magíster en Arte y Cultura Contemporánea por la Universidade do Estado do Rio de Janeiro (Brasil). Su investigación se acerca de la temática de la vivienda en el contexto de las ciudades contemporáneas, centrándose en los problemas inherentes a la lógica de la gentrificación que sustenta el binomio centro-periferia, desde una producción que transita entre la fotografía, el video, la instalación y la escultura. Su trabajo forma parte de las colecciones del Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, del Museu de Arte Brasileira (São Paulo), del Museu de Arte de Ribeirão Preto, del Museu de Arte Contemporânea de Jataí y de la Municipalidad de Santo André.

Pedro
Vaz
(Portugal)

Graduado en pintura por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa, Portugal. En 2021 presentó la exposición individual, Num único acorde, en CAB – Centro de Arte Caja de Burgos, Burgos, España. Ha participado en exposiciones colectivas tales como Loops.Expanded (2021) en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Lisboa (Portugal); LA TORMENTA (2020), en el Centro Cultural Teopanzolco de Cuernavaca (México); Después del choque, los trópicos (2018), en la Galeria Luísa Strina en São Paulo (Brasil); y Second Nature (2018), en The Kreeger Museum de Washington D.C. (Estados Unidos).

Roxana
Ramos
(Argentina)

Artista. Posgraduada en Gestión Cultural de la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina) y Diplomada en Innovación y Creatividad de la Universidad de Salamanca (España). Doctoranda en Humanidades/Artes de la Universidad Nacional de Tucumán (Argentina). Trabaja como docente, investigadora y gestora de arte. Es coordinadora pedagógica de la Escuela de Bellas Artes Tomás Cabrera y docente de la Universidad Católica de Salta. Ha ideado y co-coordinado desde 2004 a 2014 el espacio de Arte contemporáneo La Guarda, en Salta. Colaboradora en Salta del Programas culturales de la Dirección Nacional de Museos.

Luigi
Brisso
(Chile)

Artista y mediador cultural. Nace en Chile, de madre emigrante italiana. Llegada la dictadura emigran a Venezuela donde vive su infancia. Estudió cinematografía en Ciudad de México y posteriormente vivió por más de 10 años en Barcelona, España. Su obra artística está llena de viajes, de vínculos con la comunidad y el uso de las técnicas análogas como punto de partida en sus procesos creativos. Actualmente vive en Chile, asentado entre una vida rural y análoga en el centro sur del país, desde donde dirige el primer Festival Internacional de Fotografía Análoga de Chile. Trabaja como docente en la Universidad Católica de Temuco, y continúa con su obra artística.

Máximo Corvalán- Pincheira
(Chile)

Artista visual. Desde sus inicios, su trabajo se ha caracterizado por investigaciones asociadas con otros profesionales de distintos ámbitos, explora­ciones a través de las cuales he construido relatos poéticos y políticos. En los últimos años ha trabajado sobre dos series de investigación, ambas tomando como punto de partida vivencias autobiográficas: Trazo Mutable – donde las obras se construyen a través de un laboratorio nómade que cartografía territorios y recoge historias de personas marcadas por la migración a través de entrevistas; y Proyecto ADN – , investigaciones que hablan sobre la búsqueda de identidades desaparecidas, pero también sobre es­pecies de la flora que están por extinguirse.

Jens-Uwe Dyffort y Roswitha von den Driesch (Alemania)

Viven en Berlín y trabajan juntos desde 1994. En sus instalaciones sonoras, exponen cosas que no son inmediatamente accesibles. Los puntos de partida suelen ser situaciones concretas o las características de un lugar: sus sonidos ambientales, su historia y su integración paisajística o urbana. Abordan repetidamente las condiciones ambientales del entorno, sus causas y condicionantes. Entienden sus instalaciones como una extensión del espacio que abre nuevas experiencias auditivas y visuales. Han desarrollado numerosas instalaciones sonoras para descampados, parques, lagos, edificios industriales y eclesiásticos, así como para plazas y calles de la ciudad.

Fernando Foglino
(Uruguay)

Vive y trabaja en Montevideo. Poeta y artista visual. Formado en la Facultad de Arquitectura UDELAR entre los años 1994 y 2006. Desde 2008 ha realizado más de 50 exposiciones en museos de todo el país y el exterior (colectivas e individuales). Ha realizado residencias artísticas en Berlín, París, Beijing, Milán, Antofagasta y participado en bienales internacionales como: III Bienal de Montevideo (2016), XIII Bienal de La Habana (2019) y Trienal de Oku-Noto Japón (2021). Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas. En 2019 obtuvo el 1er Premio en el 49º Premio Montevideo de Artes Visuales.

Štefan
Papčo (Eslovaquia)

Se graduó en el Estudio de Escultura y Espacio de la Academia de Bellas Artes y Diseño de Bratislava (2007). En 2020 se graduó en el HISK, Instituto Superior de Bellas Artes de Bélgica. Su obra se ha mostrado en exposiciones colectivas como la Biennale Gherdeina, Ortisei, Italia, 2018, “Sonsbeek’s 20→24” (programa Conjunctions, exposición internacional de arte contemporáneo en Arnhem, Países Bajos, 2021), Triennale Brugge: TraumA (Bélgica, 2021), “Le Fil du Temps” Manifesta Lyon, Francia, 2022). Su práctica está íntimamente relacionada con el alpinismo, que practica desde hace muchos años. Su conocimiento directo de la escalada como disciplina mental y física, lenguaje corporal y coreografía, constituye una parte integral de su obra. Con sensibilidad y cuidado, realiza un registro de secuencias espirituales y transformaciones vitales.

Nikolett
Balázs (Hungría)

Artista afincada en Budapest, donde se graduó como pintora. Es miembro del colectivo MŰTŐ desde 2016 y artista activa internacionalmente. Ganó el concurso Secondary Archive, de la sección Hungarian young art scene y ha sido seleccionada recientemente para participar en MANIFESTA 14 Prishtina y VISEGRAD FUND Residency en Nueva York. Trabaja principalmente con material icónico de las mujeres artistas del siglo XX. Habita el espacio con sus esculturas, completando el mundo existente con ese orden formal que falta, influido por los entornos rurales del este de Hungría. Los pliegues ondulantes, que se abren y cierran como flores, entrelazan muchas capas de significado más allá del simbolismo de la vulva feminista, hasta el simbolismo de la individualidad totémica sobre la piel desollada incrustada en la historia de nuestra propia época y en las mitologías personales.

Santiago
Vélez (Colombia)

Ph. D. en Estudios Avanzados de Producciones Artísticas de la Universidad de Barcelona (UB), artista plástico y visual cuyos intereses de investigación giran en torno a la idea del agua como espacio de confluencia ambiental, política, económica y social. Con su práctica artística ha desarrollado proyectos, exposiciones, investigaciones, residencias, curadurías y docencia, y su trabajo de investigación y creación ha sido reconocido con diferentes distinciones como becas y premios.

Zinaida (Ucrania)

Nació, vive y trabaja en Kiev. Trabaja en diferentes tipos y géneros de las artes visuales. Es conocida por sus polifacéticas obras filosóficas, en las que utiliza diversos soportes: vídeos, instalaciones, performances, cuadros pintorescos y ornamentos, en las que explora a fondo el tema de la verdadera vida popular y la creatividad en las realidades del siglo XXI. Su obra se centra en las peculiaridades de la feminidad y la cultura tradicional, la diversidad de la autenticidad y la modernidad, la transformación de lo antiguo en moderno, la integración de temas sagrados y místicos. La artista ha creado más de 50 vídeos, trescientos lienzos y más de 100 proyectos artísticos en los campos del cine, el teatro, el ballet moderno, la música y la moda.

Borghildur Indriðadóttir (Islandia)

Artista visual islandesa cuya obra explora la relación entre las texturas arquitectónicas y sus tejidos sociales. Con un método interdisciplinar, que incluye la arquitectura, la actuación y la interpretación, utiliza diversos medios, como la instalación, la fotografía y la performance. Sus obras se caracterizan por la interacción entre lo visible, lo tangible y lo oculto. Su experiencia a través de un juego alucinatorio y cambiante, trata de evocar una serie de emociones que van de la intimidación a la vitalidad, desde la intimidación hasta la vitalidad.

Alicja Panasiewicz y Adam Panasiewicz (Polonia)

Dúo artístico formado en 2015. Trabajan principalmente en obras artísticas que utilizan el lenguaje de los nuevos medios de comunicación, lo que les permite una gran libertad en la creación y vaguedad de interpretación de los proyectos sobre intermedia. Se inspiran principalmente en el mundo de la ciencia, tanto en las teorías modernas y tecnológicamente avanzadas, como en las obsoletas que han fascinado a la humanidad durante décadas o cientos de años.

Claudio
Pérez
(Chile)

Fotógrafo autodidacta, diseñador, editor. Ha recibido importantes premios y becas como: Sociedad Chilena de Fotografía, Casa de las Américas (Cuba), International Photo Journalist (Iraq), Hasselblad Foundation (Suecia), Magnum Foundation (USA). Ha participado en exposiciones tanto colectivas como individuales en Europa, África, América Latina y USA. Su trabajo se conserva en colecciones públicas y privadas de Europa, América Latina y Chile. Actualmente realiza un proyecto gracias a una beca de la Fundación Magnum y del Fondart.

Marcio
Harum
(Brasil)

Trabaja en el entrelazamiento de curaduría, programas públicos y arte-educación. Ha integrado en 2021 el comité de selección de la Bienal de Arte Contemporáneo SACO 1.0 Aluvión. Coordinó el programa “CCBB Educativo – Arte y Educación” del Centro Cultural Banco de Brasil entre 2018 y 2020. Fue curador de artes visuales del Centro Cultural São Paulo entre 2012 y 2016 y de la 2a edición de la Bienal del Barro en Caruaru, la región agreste brasileña en 2019. Actuó entre 2021 y 2022 como consultor de la plataforma online de arte y tecnología Tropix y de la programación de la residencia artística Kaaysá en la costa norte de São Paulo.

Michał Smandek (Polonia)

Artista visual que aborda la interdependencia de las actividades humanas y la naturaleza. Emprende una reflexión crítica sobre el antropocentrismo y el materialismo, y llama la atención sobre la degradación del entorno natural. Invita y compromete a las comunidades locales a participar en actividades conjuntas, introduce modificaciones espaciales en el paisaje, traduce las dependencias observadas en la naturaleza al lenguaje del arte. La filosofía de moverse con una mochila y una tienda de campaña determina las estrategias y métodos de su trabajo, en el que difumina la frontera entre hacer y apropiarse de situaciones existentes para convertirlas en obras de arte acabadas para sus propios fines. Crea esculturas, instalaciones, fotografías e inicia actividades colectivas y performativas.

Penelope
Cain (Australia)

Artista con formación en investigación científica que trabaja en la intersección entre ciencia y arte, en un estilo narrativo especulativo y abierto. Trabaja con distintos medios y flujos de conocimiento, con científicos, conjuntos de datos, personas, historias y tierras para contar historias sobre conexiones a nivel molecular entre lugares y a través del tiempo. Ha realizado numerosas exposiciones, las más recientes en el Museo MMGerdau de Brasil, Maxxi de Roma y Penrith Regional Gallery de Sydney.  Ha sido galardonada con residencias de investigación, tales como S+T+ARTS La Haya, la Residencia de Arte Contemporáneo Glenfiddich, Escocia, y una microresidencia en HAWAPI, Perú.

Camila
Lucero (Chile/Suiza)

Artista visual y mediadora cultural. Vive y trabaja entre Concepción y Basilea. Ha participado como artista y mediadora en diversas exposiciones, festivales e instituciones culturales en Chile, Alemania y Suiza. Ha gestionado diferentes proyectos independientes con el apoyo de fondos estatales y privados de Chile y Suiza. Es licenciada en Artes, Magíster en Artes Visuales, Bachelor y Master en Vermittlung von Kunst und Design (Mediación artística) en HgK, FHNW, Basilea, Suiza (2022).

Jan
Van Oordt (Suiza)

Después de completar sus estudios en Bellas Artes, se trasladó a la aldea St.Imier (Suiza). Allí fundó en 2018 el espacio de residencias “La Dépendance”, que se ha convertido en una parte importante de su práctica artística. En 2019 completó sus estudios MA en el Instituto Art Gender Nature (IAGN) en Basilea. Basándose principalmente en fuentes de su entorno rural inmediato, el vídeo, la escultura, la pintura, la fotografía y el sonido se entrelazan en los temas recurrentes de su obra, que orbita en torno al cuestionamiento de la división naturaleza/cultura, las nociones de agencia en tejidos humanos y no humanos, así como los modos y puntos de vista subjetivos de notar.

Christian
Lanza (Bolivia)

Artista plástico y fotógrafo. Egresado de la academia nacional de bellas artes, La Paz Bolivia.  Estudios en EFTI | Centro Internacional de Fotografía y Cine Madrid, curso de fotografía profesional modalidad online 2021. Especializado en el arte figurativo. A lo largo de los años participó y ganó varios premios y menciones en el área fotografía y artes plásticas, como el premio Eduardo Abaroa categoría fotografía 2018.

Nanda
Yasoda (Chile)

Artista visual con vasta experiencia murales de mosaico y trabajos comunitarios.​ Expuso en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Chile, CHACO 2022. Entre sus obras más recientes destacan el mural de Gabriela Mistral ubicado en el Centro cultural Gabriela Mistral GAM, Santiago de Chile; Lo que está en la superficie”, obra contemporánea realizada en el museo Ruinas de Huanchaca, Antofagasta; Cartacuba en el Museo de Historia Natural Tomás Romay, Santiago de Cuba; y Persiguiendo un sueño, con la Asociación Cubana de Artesanos Artistas ACAA, Pinar del Río.

Anna Krukowska y Tomasz Dobiszewski (Polonia)

Dúo fundado en 2022. Combina el conocimiento y la práctica artística con la experiencia educativa. Realizan site-specific en la interfaz del arte, la investigación artística y la educación. Anna es animadora cultural, licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Wroclaw, y cuenta con siete años de experiencia en el Museo Contemporáneo de Wroclaw. Actualmente trabaja en 66P – Institución Subjetiva de la Cultura, donde presenta los fenómenos más actuales en el campo del arte contemporáneo, con especial atención al arte socialmente comprometido. Tomasz se licenció en la Universidad de Bellas Artes de Poznan. Utiliza fotografía, vídeo, animación, instalaciones multimedia y site-specific, arte postal o libros de arte.

Cathy
Coëz (Bélgica/
Valonia-Bruselas)

Artista multidisciplinar francesa. Vive y trabaja en Bruselas (Bélgica) desde 2008. Aunque su trabajo se ha dedicado al dibujo, se encontró por primera vez con el medio de la cerámica en 2007. Desde entonces, la cerámica le ha dado la oportunidad de explorar nuevas posibilidades de representación. Utiliza principalmente arcilla, porcelana y roble, pero está abierta a cualquier material y sigue produciendo ocasionalmente obras impresas. Sus obras son figurativas, abstractas, políticas y poéticas. Ha expuesto internacionalmente en galerías y museos y forma parte de colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

Paz Escandón (Chile)

Artista visual cuyo trabajo se mueve por lo multidisciplinario, indagando en los cruces entre la pintura, dibujo, fotografía y objetos, intentando explorar los límites y encuentros entre los mismos. En el último período ha utilizado el libro como soporte de obra, poniendo sobre este objeto las tensiones entre los modos antes mencionados. Interesada en la mixtura de medios bidimensionales, de modos análogos y digitales, la utilización de soportes e imágenes encontradas y cómo se aproxima el espectador a la obra desde aquel soporte íntimo y objetual.

Julio Urbina (Perú)

Artista visual, de performance y nuevos medios. Su trabajo explora diversas disciplinas para construir un sistema propio alterno de comprensión de realidades, fracturando imposiciones epistemológicas sobre el sistema sexo-género y esquemas antropocéntricos de clasificación de las especies, bajo el constante control de políticas de bio-vigilancia y procesos coloniales en el sur global. Le interesa la reactualización de saberes ancestrales y la exploración con medios híbridos y performance. Ha expuesto en Perú, Chile, Ecuador, México, Argentina, Brasil, Colombia, Polonia y Reino Unido.